Натюрморт: история, символика и значение в европейском искусстве
Что такое натюрморт, где и когда он появился, почему к нему обращаются многочисленные художники, в частности и многие наши современники? Чтобы ответить на эти ключевые вопросы, прежде всего следует обратиться к истории натюрморта — к истокам его становления как самостоятельного жанра. Натюрмортные мотивы как часть композиции, декоративные и символические изображения предметов встречаются уже в искусстве Древнего Востока, античности и Средневековья.
Петух с гранатами и инжиром. Античная фресковая роспись из Помпей.
До середины XVI века натюрморт рассматривался как часть исторической или жанровой сцены. Однако как самостоятельный жанр он сформировался лишь в конце XVI — в начале XVII века, что было обусловлено несколькими факторами. Прежде всего, это связано с развитием общества, ростом частного коллекционирования и секуляризацией культуры, когда интерес к религиозной тематике постепенно смещался к изображению повседневной жизни и природы.
Гуго ван дер Гоес, алтарь Портинари (1475-76). Пример религиозной живописи с элементом натюрморта
На раннем этапе развития натюрморта преобладают композиции, объединенные термином vanitas (укр. марнота/марнославство). У таких творах художники використовують типовий набір предметів, знайомих з повсякдення: згаслі свічки, предмети розкоші, гроші, безладно розкидані по столу. Часто зображують і череп. Надаючи цим речам додаткового символічного сенсу, митці прагнули нагадати про швидкоплинність життя й неминучість смерті (саме тому було поширене зображення фруктів, що гниють, зів’ялих квітів та пісочних годинників, адже все це є прикладами memento mori — нагадування про смерть). Таким чином, vanitas можно сравнить с христианскими притчами, в которых за внешне привлекательной формой скрывается поучение или философское размышление.
Питер Клас, «Натюрморт», около 1630 года. Музей Маурицхейс, Гаага.
Рядом с vanitas в первой четверти XVII столетия в голландской живописи возникает особый тип натюрморта — так называемый «завтрак». На нейтральном фоне художники изображают накрытый стол с разнообразными яствами — хлебом, рыбой, овощами, фруктами, вином. Предметы размещаются так, чтобы создать впечатление естественного беспорядка, будто человек только что оставил эту сцену. Большое внимание уделяется материальным свойствам предметов: хрупкости и прозрачности стекла, холодному блеску металла, румяной корочке хлеба — все передается с максимальной точностью.
«Натюрморт с устрицами». Приписывается Яну Янсу де Хему (1650-1695).
Во второй половине XVII столетия скромные «завтраки» уступают место эффектным и ярким «десертам». На мраморном столе, небрежно застеленном красочным ковром, размещаются фаянсовые тарелки с фруктами, хрустальные бокалы, драгоценные кубки. Композиции становятся сложнее, появляется богаче светлотеневое моделирование: одни предметы освещены ярко, другие прячутся в полутени, создавая контрасты. В это время, в середине XVII столетия, все разнообразие натюрмортной живописи — «завтраки», «десерты», vanitas — объединяется под общим термином натюрморт («недвижимая жизнь»). В конце XVII — в начале XVIII веков этот термин становится общеупотребительным.
«Натюрморт с фруктами и омаром». Приписывается Яну Янсу де Хему (1650-1695).
Интересным было развитие натюрморта во Фландрии. В отличие от голландцев, что сосредотачиваются на скромном повседневном, фламандские мастера создают картины, которые прославляют земное бытие, богатство, щедрость природы. Камерные форматы меняются грандиозными полотнами, сдержанная серо-коричневая гамма — яркими красками. Основным местом действия становятся кухни и лавки, где на больших дубовых столах изображено множество даров природы. Иногда среди этого богатства появляется фигура человека или животного, например, кошки, что следит за птицами.
«Натюрморт с фруктами, попугаем, кроликом и котом», Давид де Конинк (1644-1701 гг.)
В XVIII столетии интерес к натюрморту угасает. Неоклассицизм воспринимает его по большей части как вспомогательный жанр — средство упражнения художника в точности и наблюдательности. Из-за этого натюрморт редко встречается в «чистом виде» — чаще как элемент бытовой сцены. Такое взаимодействие жанров ярко прослеживается в творчестве Жана-Батиста Симеона Шардена. Его натюрморты состоят из простых домашних вещей, преимущественно кухонной утвари. Эти образы повседневного мира — будничные, интимные, человечные, полные уюта и тепла домашнего очага.
«Молитва перед обедом», Жан-Батист Шимон Шарден, (около 1740 года). Лувр, Париж
Расположение предметов в нем естественное, но в то же время логичное и уравновешенное. Благодаря игре света и теней вещи будто соединяются между собой и с окружением в единое художественное целое. Написанные мелкими мазками — плотными или прозрачными — они кажутся погруженными в воздушно-световое среду. В отличие от драматических натюрмортов голландских мастеров XVII века, у Шардена нет сюжета или моральной притчи — только обычная красота будничного. Его вещи не «разговаривают» между собой, не поучают и не предупреждают. Они просто есть — так, как их расположил художник, подчиняясь законам классической композиции. Шарден освобождает предметы от философских и религиозных подтекстов, позволяя им быть самими собой. Именно в этот период, когда жанр теряет свою глубокую символику, в научный оборот входит знакомое нам французское словосочетание nature morte — «мертвая натура».
«Атрибуты искусств и награды, что им даруются», Жан-Батист Симеон Шарден, (1766 год)
После краткого исторического обзора зарождения и развития натюрморта как жанра живописи, стоит обратить внимание на самых выдающихся мастеров XVI–XIX веков, которые оставили после себя впечатляющее художественное наследие. Одним из первых стоит упомянуть Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610), известного своей страстью к натурализму и драматического светотеневого моделирования. Хотя его имя ассоциируется прежде всего с религиозными и мифологическими сюжетами, художник создал и несколько натюрмортов. В «Натюрморте с фруктами на каменном выступе» мы не видим привычного контрастного освещения: здесь все залито мягким ровным светом, а фрукты и овощи говорят языком плодородия и жизни, возможно, даже эротики. Предания свидетельствуют, что Караваджо специально пробивал отверстия в потолке собственного дома, чтобы достичь нужного освещения сцены.
«Натюрморт с фруктами на каменном выступе», Караваджо, (1603 год)
В то время как Караваджо придавал натюрморту эмоционального и телесного измерения, в Северных Нидерландах Амброзиус Босгарт Старший (1573-1621) заложил основы научно точного подхода к изображению природы. Его цветочные композиции, созданные на основе ботанических зарисовок, удивляют детализацией и спокойствием. Каждый цветок или насекомое в его работах словно перенесено из гербария: розовые гвоздики, белые розы, желтые тюльпаны и бабочки создают поэтический, но и символический образ скоротечности жизни.
«Цветочный натюрморт», Амброзиус Босгарт Старший (1573-1621)
С чрезвычайным вниманием к бытовым предметам работала художница Клара Петерс (1594-1657) — одна из немногих женщин-художниц своего времени. В её работах, в частности в «Натюрморте с рыбой и котом», царят тишина и сосредоточенность. На темном фоне поблескивают металлические сосуды, серебряные монеты и свежие рыбины, которые улавливают последние лучи света. Кот, что украдкой держит добычу, добавляет сцене эмоционального напряжения.
«Натюрморт с рыбой и котом», лара Петерс (около 1620 года)
Герард Доу (1613-1675), один из самых выдающихся представителей голландской живописи XVII века, стоял у истоков лейденской школы финишильдеров — направления, что отличалось исключительным вниманием к деталям и гладкой, почти ювелирной техникой письма. В своих работах Доу сочетал жанровые сцены и натюрморты с виртуозной игрой света и тени, в частности в ночных сценах при свечах.
«Натюрморт с черепом», Геррит Доу (около 1650 года)
Тонкий символизм и совершенный реализм Доу перекликаются с творчеством Виллема ван Элста (1627-1683), младшего мастера, который некоторое время жил и работал в Италии, в частности во Флоренции, где его натюрморты обрели признание при дворе Медичи. Вернувшись в Нидерланды, он сосредоточился на создании натюрмортов с дичью. К теме красоты жизни и её мимолетности обращался и Адриан ван дер Спелт (1630-1673), хотя его подход был совсем иной. Он создавал живые, пышные цветочные композиции, в частности гирлянды из десятков видов цветов. В сотрудничестве с Франсом ван Миерисом ван дер Спелт создает эффект «обмана зрения», где нарисованная завеса частично скрывает букет. Этот трюк напоминает античную легенду о Паррасия из Эфеса и одновременно демонстрирует новый уровень визуальной иллюзии, которого достигли нидерландские мастера.
«Тромплей. Цветочный натюрморт с занавесом», Адриан ван дер Спелт и Франс ван Мирис (1658 год)
С ростом эмоционального напряжения в европейском искусстве XVIII–XIX века мы приходим к Франсиско Гойе (1746-1828). Его натюрморты полны темноты и боли — не только физической, но и экзистенциальной. В «Натюрморте с золотым лещом» рыбы будто зависли между жизнью и смертью. Эта сцена является не просто застывшим моментом, а размышлением о трагизме человеческого существования.
«Натюрморт с золотым лящем», Франсиско де Гойя (около 1808-1812 годов)
Анри Фантен-Латур (1836–1904) – выдающийся мастер натюрморта, друг Эдуарда Мане, хотя и жил в эпоху импрессионизма, остался верным реалистической школе. Он сочетает наследие Курбе с тонким чувством формы и поэзии. Фантен-Латур считал, что искусство должно изображать мир таким, каким он есть, без прикрас. В своих натюрмортах он стремился к идеальному равновесию форм и цвета, создавая композиции, где геометрические фигуры и органические линии соединяются в гармонии. Картины с цветами, фруктами или бытовыми предметами были не только проявлением его художественного видения, но и основным источником дохода.
«Весенние цветы с чашкой и блюдцем», Анри Фантен-Латур (1865 год)
В конечном счете, мы приходим к Полю Сезанну (1839-1906) — художнику, который переосмыслил натюрморт в ключе модернизма. Его объекты — нестабильные, подвижные, искаженные перспективой. Сезанн словно снова спрашивает: что такое натюрморт? Его композиции — это размышления о восприятии, форме, структуре мира. Так, через многовековую путешествие, натюрморт из простой сцены превратился в философское высказывание.
«Натюрморт с яблоками и апельсинами», Поль Сезан (близко 1895–1900 лет)
От фламандских и нидерландских мастеров XVII века, что заложили основы жанра натюрморта, до современных интерпретаций, этот жанр прошел захватывающий путь эволюции. Начиная как художественное средство, насыщенное религиозной символикой и философскими аллюзиями, в частности в жанрах Vanitas и «memento mori», он отражал тревожные раздумья о быстротечности жизни и неизбежности смерти. Впоследствии натюрморт разветвлялся на многочисленные поджанры, включая изображения еды, фруктов и предметов повседневного обихода, открывая новые темы для художественного осмысления. В XX веке художники всё активнее отходили от традиционной символики, фокусируясь на будничном, экспериментируя с формой и содержанием. Сегодня натюрморт — это не только окно в историю искусства, но и прекрасная возможность отточить художественные навыки художника и по-новому увидеть знакомые вещи вокруг себя. Более того, живописный натюрморт может стать изысканным украшением дома для ценителей антиквариата, добавляя интерьеру глубины, характера и настроения.
